Ruta 66: Storytelling

Todd Solondz y su humor incómodo.



Cosas que no se olvidan

Bajo esta traducción tan poco acertada, se esconde otra obra más del atormentado por la realidad Solondz, Todd Solondz. Lo más probable es que los nombres que más destaquen en el reparto sean los siguientes: John Goodman y Paul Giamatti. Pero comparten relevancia Selma Blair y Mark webber.

Afirmo lo que afirmo sobre la traducción ya que la película no toca temas relacionados con el pasado, los recuerdos, las memorias o las experiencias personales, al menos no desde un punto de vista cronológico que nos haga pensar en los “recuerdos” a los que alude el título castellano.

Primer tercio, y el resto

La película se divide en dos partes no simétricas. En primer lugar se encuentra la historia llamada “Ficción” que se centra exclusivamente en unos personajes inmersos en el mundillo de la ídem a través de su grupo/club de jóvenes alumnos escritores. La historia es significatívamente más breve que la que la sucede,“No Ficción”, pero eso no impide que su intensidad haga sombra a cualquier película anterior del director.



A falta de ver Life During Wartime me atrevo a decir que este relato de hipocresía existencialista es lo más fuerte que ha parido la escabrosa mente de Solondz. El humor irónicamente negro tan característico de su obra está ahí presente, pero al espectador le resultará muy, muy duro gesticular siquiera una leve sonrisa. Al menos a los espectadores con un mínimo de conciencia parecido al mío.

No sería adecuado describir los hechos de “Ficción”. La experiencia de ver a Solondz en acción debe ser pura, sin prejuicio alguno. Él solo ya se encarga de impregnar de mácula nuestra sensación al disfrutar de su película.




Si en Ficción la narrativa literaria es el instrumento de desarrollo, en el resto del film el storytelling protagonista es la narrativa visual, el formato documental concretamente. Es en este segundo capítulo en el que ya podemos reir tranquilos ante las sutiles bromas dialécticas y visuales de Solondz. El cambio de registro dentro del humor irónico es como una bofetada en la cara. Con No-Ficción uno puede reir agusto con lo variopinto de los personajes Solondzianos.

A Solondz le gusta reciclar biografías ficticias dentro de su obra, y es por ello por lo que un servidor espera que en próximas obras se rescate al “director” de documental protagonista de No-Ficción y a su compañera editora de vídeo, personajes cuya relación tiene un juego bastante potable a mi parecer.



Trivia (traducido de Imdb)

Actualizado el 15 de noviembre de 2009

En un principio había una tercera historia cuyo protagonista iba a ser James Van Der Beek. Su argumento cuenta cómo un estudiante univeritario va aceptando su sexualidad. Al final no se incluyó en la película. Act.: Concretamente, Van Der Beek interpretaría a un jugador de fútbol americano que "no ha salido del armario". La leyenda dice que por tocar un tema tan peliagudo (al menos en los USA) como es la homosexualidad, el material se eliminó tras unos pases en festivales de cine. Gracias a Solondz por la info.

Act.: La polémica del cuadrado rojo. En la brutal escena sexual de Ficción había un cuadro de un llamativo color rojo que tapaba las imágenes. Fue un recurso para evitar las restricciones del sistema de clasificación por edades impuestas por la MPAA (Asociación Cinematográfica de Estados Unidos). En un principo, en el cuadrado iba a estar escrita la palabra "CESURADO", pero la MPAA no lo permitió, pues ellos no se consideran "censores". Solondz describe lo del cuadrado como su postura política sobre la censura impuesta por la MPAA. En la versión internacional de la película no hay tal cuadrado, pero en los DVD's americanos sí que hay una opción para ponerlo. Gracias a Solondz por la info.

En la habitación de Toby Oxman puede verse un póster de la película “Celebración” (1998)

Emmanuelle Chiriqui, Adam Hann-Byrd, y Heather Matarazzo (Nota de Aka: esta última la “poecita” Dawnie Wiener de Welcome to the Dollhouse) grabaron escenas que al final tampoco se incluyeron en la película.

[+/-] Seguir Leyendo...

Youth in Revolt

Youth in Revolt

Ruta 66: Pink Flamingos

Un ejercicio de mal gusto.

Pink Flamingos

John Waters es un tipo la mar de simpático y dicharachero. Suele dirigir, escribir y producir sus propias películas de forma totalmente independiente, como nos gusta aquí. Pero también le dá por utilizar a la misma troupe de interpretes chungos y horteras, lo cual no nos gusta tanto. Tanto en la película que toca tratar esta vez en Ruta 66, como en varias películas más de Waters de finales de los 60 y hasta los 80, toman parte los siguientes individuos: Divine, David Lochary, Mary Vivian Pearce, Mink Stole, Danny Mills, y Eddith Massey. Merece la pena mencionar que estos nombres son los principales por que tienen mucho diálogo en el film, porque a nivel interpretativo destaca todo el reparto al mismo nivel: uno muy profundo.

Divine, diva entre divos

La historia de Pink Flamingos no es surrealista ni imposible, así que con eso no hay problema. Es una trama perfectamente plausible, pero lo malo es eso, que uno no querría que así fuera. Divine, es un travelo con una personalidad inmunda que le acarrea una fama morbosa. Pasa sus días en un entorno idílico: Una caravana de color rosa uy hortera en mitad del bosque. Vive junto a su madre, que padece un trastorno mental grave que le lleva a obsesionarse con los huevos, junto a su hijo Rackers, otro que tal baila, pervertido sexual semi-zoofílico, y por último, Cotton, otra hortera que le dá al voyeurismo. Divine tiene una clara meta existencial: Ostentar el título a la persona más inmunda y asquerosa del mundo. Precioso.



Pero a Divine se le presentan dos rivales que no se quedan atrás en cuanto a moral podrida. Una pareja de freaks sin nada mejor que hacer que secuestrar mujeres para embarazarlas y vender sus hijos al mejor postor. Ah, y pervertidos sexuales en su tiempo libre. Al final de la película uno no sabe quién es más inmundo, de verdad. Me atrevería a señalar con el dedo al propio Waters.



Lo que pasa con Flamingos

Es incómodo ver esta película. Bastante. No me quiero imaginar qué pasaría si se diese la situación en la que una persona, ignorante del contenido de la película, la pusiese en un ambiente familiar o entre amiguetes para pasar la tarde.

La película es puro material amateur. Tú lector, puedes pillar una cámara y hacer lo mismo que ha hecho Waters, pero seguramente no te atreverías. Lo único que no está al alcance del cinefilo de a pié es tener los arrestos y los huevazos para rodar escatológicas escenas a la altura de las de Flamingos. Porque Pink Flamingos lleva la escatología visual a un nuevo nivel, uno muy raro y extraño. De hecho creo que al espectador le puede producir mareos el hecho de que Waters se pase toda la película con la cámara en la mano, pasando de pillar un trípode, o un cacho palo largo para que la imagen adquiera algo de estabilidad.



Atención a la cuerda blanca del tronco en las dos instantáneas...

Se supone que es una comedia. Yo no me he reído. Buscarle algo positivo a la película es difícil. Pero me doy cuenta de algo: Durante el visionado tenía, debía, verla hasta el final por lo impresionado y cautivado que estaba. Y ese mérito hay que concedérselo a Waters.

Lo mejor, algo que no es la película

Esto es realmente relativo. En la edición en DVD a la que tengo acceso, viene un extracto de vídeo a modo de extra/documental con Waters como protagonista, comentando y presentando metraje inédito que no se incluyó en la película por motivos desconocidos (no hay apenas diferencia con el producto final, ni cualitativa ni leches, ¡es la misma basura! De ahí la relatividad que comento). Es un regalito muy simpático por parte del señor Waters. Verle comentar su peculiar obra como si fuese la cosa más normal del mundo no tiene desperdicio



Trivia (traducido de Imdb)

Los excrementos del perro en la última escena son reales. John Waters cuenta que le dieron de comer chuletas los tres días antes.

Sello personal del director: [Referencias al asunto de la familia Manson]. En una escena en la que Divine va paseando por Baltimore, podemos leer “Liberad a Tex Watson” en un graffiti de una pared. Y en el apartamento de Connie y Raymond hay una foto de Susan Atkins. Ámbos implicados en los famosos asesinatos de la familia Manson.

Se rodó durante los fines de semana. Los días laborables John Waters recaudaba dinero.
La casa de los Marble estaba alquilada por John Waters y Mink Stole. Los interiores se filmaron en la parte de la casa que pertenecía a Stole. Para la grabación, apenas modificaron la decoración original.

David Lochary Mink Stole diseñaron y se tiñeron su propio vello para la película.

Había una subtrama sobre “vengarse de Cookie”, pero se eliminó del producto final.

Para la reedición de 1997 se cambiaron algunos temas musicales. Un ejemplo notable es el cambio de "Sixteen Candles" de The Crests, por "Happy, Happy Birthday, Baby" de The Tune Weavers, en la escena de la fiesta.


According to director John Waters, the film's budget was so tight, that he could not afford "A" and "B" reels. The work print was in effect the master copy. (Nota de Aka, solicito ayuda de los lectores para esta info.) Traducción por Solondz: "Cuenta Waters que el presupuesto era tan ajustado que no se podian permitir copias de trabajo. Las copias de trabajo eran de hecho, el master final"

Los créditos iniciales son de los más largos de la historia. En ellos aparecen todos y cada uno de los actores y los extras de la película.

Durante el rodaje, arrestaron a Divine por robo. En su defensa, dijo que era un actor de método interprentando a un criminal.

John Waters quería a un tipo llamado “Mr. Ray” para que fuera el narrador de Pink Flamingos. Mr. Ray era un famoso locutor de radio para anuncios sobre el cabello y era conocido por su marcado acento de Baltimore. Mr. Ray rechazó el papel, así que Waters grabó la voz en off imitándole bajo en seudónimo de “Mr. J”.

Al parecer, David Lochary se coloreó el pelo de azúl con un rotulador de punta gruesa.
Cuando Connie y Raymond llaman a la policía para denunciar la fiesta de cumpleaños de Divine, Raymond da la dirección real del emplazamiento.

En algunos cines, se repartieron bolsas para vomitar marca “Pink Phlegm-ingo”.

El “Cantante Anal” (Nota de Aka: dios...) no aparece en los créditos a petición suya. John Waters afirma que “permanecerá en el anonimato. Es su decisión”. Sin embargo, el fulano no tiene problemen revelar su relación con la película delante de sus amigos.

En la fiesta de cumpleaños Divine y sus invitados inhalan de verdad nitrato amílico. En aquella época, en USA era legal comprar “poppers” de esa sustancia en las farmacias. Si uno se fija en la cara de Divine en esa escena, ella estalla en carcajadas de repente. John Waters dice que ahí “le da el subidón”.

Elizabeth Coffrey (“La Pava con Pene”) era un hombre transexual preoperado que había estado bajo tratamiento hormonal para conseguir los rasgos femeninos que se ven en la película. Se operó para quitarse el pene justo una semana después de rodar la escena en la que aparece en Pink Flamingos. Vuelve a aparecer en la siguiente película de Waters, pero ya como mujer.

John Waters escribió una secuela llamada “Flamingos Forever”. La trama tendría lugar en Baltimore, con el regreso de la pandilla de Divine a la cual se uniría el nieto de Divine, un travesti de 8 años. Su némesis en esta película sería Vera Venninger, la hermana de Connie Marble, junto a su marido Wilbur, un necrófilo dueño de un tanatorio. Troma Films iba a financiar el proyecto con 600.000 dólares, pero no se llevó a cabo por culpa de las muertes de Edith Massey y de Divine. Además, Waters estaba MUY descontento con las instalaciones de Troma para la edición de las películas, las cuales eran Moviolas antiquísimas de los orígenes de la edición fílmica. El guión de esta obra está disponible junto a los de Pink Flamingos y Desperate Living en una colección llamada “Trash Trio”.

El coche del matrimonio Marble perteneció a un hombre de raza negra que John Waters conoció durante la fase de pre-producción en Batimore. A cambio de poder usar su coche, Waters prepararía la siguiente escena en la que aparecería: Connie sale hablando con un espejo mágico y dice “Espejito, espejito, dime, ¿quién es la más inmunda de todas?”. Entonces un negro vestido así aparecería de entre una nube de humo y diría “Es Divine”. Pero Waters no conseguía que los efectos especiales funcionasen correctamente, así que se eliminó la escena de la película.

En el documental MIDNIGHT MOVIES, John Waters dice “Estaba colgado cuando escribí Pink Flamingos. NO estaba colgado cuando la realicé”

Según el diseñador de producción Vincent Peranio, el departamento de arte sólo disponía de 200 dólares de presupuesto. Se gastaron la mitad en comprar la caravana, la otra mitad en decorarla. “Después de quedarnos sin dinero, lo que hacíamos era robar cosas”.

Lo único de lo que se arrepiente Waters es de la escena de la felación. Fue incómodo pues los actores eran amigos en la vida real. También siente que es la parte más “pasada de rosca” de la película: acababan de estrenar “Garganta Profunda” y la escena en cuestión era una crítica de Waters a la moda del “porno chic”.

En el guión original había una escena en la que se prendía fuego al pelo de Connie. La actriz que interpretaba a Connie, Mink Stole, en un principio estaba de acuerdo en hacerlo, pero cambió de idea más tarde. John Waters cuenta en el audiocomentario que estába contento con su decisión, pues sino ella habría acabado con quemaduras de tercer grado en la cabeza y él habría ido a la cárcel.

En la escena de sexo entre Crackers y Cookie una gallina muere de verdad. En una de las escenas restauradas en 1997 se ve cómo cocinan su cadáver para cenar.

[+/-] Seguir Leyendo...

Ruta 66: Napoleon Dynamite

Comedia ligera, pero muy consistente.



Napoleon Dynamite

Jared Hess dirige completamente y escribe parcialmente (junto a su esposa Jerusha Hess) esta curiosa epopeya. No es un héroe ese enjuto avatar que protagoniza la portada de este film, pero tampoco es un consabido antihéroe de sobrado cinismo. Responde al nombre de Napoleon, se apellida Dynamite, dibuja fatal, tiene un amigo de procedencia dudosa, un tío inaguantable y sus preocupaciones no van más allá de la vida escolar de instituto yanki. Arrancando sonrisa tras sonrisa, esa es la forma de funcionar de este simpático film, y lo consigue a través de sus personajes encarnados por Jon Heder, Aaron Ruell, Jon Gries, y Efren Ramirez.

Napoleon, you are my hero

Desde el primer suceso, con Napoleon subiendo al típico bus amarillo para ir al cole, hasta el final, con cierta escena post-créditos, somos testigos de las pequeñas aventuras cotidianas de Napoleon y en parte de sus amigos y familiares. Todas ellas envueltas en un manto costumbrista de colores azul, rojo y amarillo. Los gags o sketches, como se quieran llamar, se suceden a un ritmo realmente cómodo, no se producen estallidos de carcajadas o intermedios sosos de metraje. Al menos es lo que yo preveo para cualquier persona que vea esta película sin prejuicio alguno. Los toques de humor inocente y en cierta manera sarcásticos (en la portada del dvd una reseña periodística menciona una “fuerte ironía”, cosa con la que no ando yo muy de acuerdo) son difícilmente predecibles, quizá el úno estereotipo que sigue el film es el de “final feliz con todos contentos”.

Los personajes, sobre todo el tándem formado por el caprichoso Napoleon junto a su entrañable amigo Pedro, realmente se hacen querer. Me atrevería a realizar una analogía con Forest Gump, pero hay que destacar que Napolen Dynamite prescinde de las pretensiones moralistas a lo “cualquier persona puede llegar muy lejos” para dejar paso al humor simpático. Y en mi impresión de la película me niego a pensar en los personajes pringadillos, a estos losers, como deficientes psíquicos. Son simplemente peces pequeños en un acuario de tiburones enanos.

El estilo visual colorido

Ojeando algunas capturas de la filmografía de Jared Hess, echando un vistazo a los avcances de su inminente proyecto Gentlemen Broncos, uno se da cuenta de que el director tiene algo con la fotografía multicolor, sobre todo con el azúl a mi parecer. Esos planos de horizones limitados por un cálido cielo azúl despejado hacen pensar sobre una fijación caprichosa del director, es raro que en trivia de Imdb no se agregue una entradita con este detalle (al menos no se ha hecho con el trivia de Napoleon, el cual encontraréis traducido líneas más abajo para vuestro disfrute).

Para muestra unos botones:

En definitiva, bien puede uno susituir esos telefilms de mal rollo de mediodía de fín de semana por un tentempié de humor con buen gusto que es Napoleon Dynamite. Y si hace falta repetir se repite.

Trivia

Elvis Costello usó el seudónimo de “Napoleon Dynamite” en su álbum “Blood and Chocolate” (1986). El productor ejecutivo de la película, Jeremy Coon, asegura que el símil es pura coincidencia, que los pductores se enteraron de lo de Costello después de haber empezado la fase de producción.

En la fantástica introducción, todos los platos que salen, van apareciendo progresivamente en la película engullidos por los personajes. Esta intro es obra de tres personas diferentes.

Debido al impredecible éxito de la película en los festivales tras una distribución limitada, Fox Searchlight re-editó el film añadiendo 5 minutos a modo de epílogo en el final. La sorpresa consiste en la escena de la boda, que se filmó tras el estreno de la película y que costó la mitad de lo que costó hacer la película entera.

La lista de títulos de créditos de la película es de las más largas de toda la historia: abolutamente todos los nombres de los extras, 181 estudiantes, salen anotados en los créditos.

Se editó en el piso del productor Jeremy Coon, con un Macintosh de 6.000 dólares y con el programa Final Cut Pro.

Durante el festival de Sundance de 2004, Fox Searchight y la Warner Independent Pictures se enraizaron en una lucha por los derechos de distribución del film. En el último minuto, la Fox pujó por 3 millones de dólares y ganó. Más tarde se uniría con la Paramount Pictures y con MTV Films para distribuir la película justo a los 17 días antes de la salida oficial de la película.

El “ligre” es un animal que exste de verdad, fruto de la cópula entre un león macho y un tigre hembra. Eso sí, nada de poderes mágicos como cuenta Napoleon.


Solondz me ha rogado y ordenado y amenazado para que pusiera una foto del Ligre.

La escena en la que Rico le atiza a Napoleon en la cara se rodó 4 veces hasta el resultado final.

Rodada en 22 días.

La genial escena de baile de Jon Heder estaba planeada para el final del rodaje, y meintras la rodaban se quedaron sin rollo de cinta para grabar. La secuencia está editada a partir de menos de 10 minutos del baile.

La brutal escena del granjero cargándose a una vaca frente al autobús escolar es una anécdota real de la infancia del director.

Los “brackets” dentales de Aaron Ruell (Kip) son reales. En los créditos se agradece la labor a dos dentistas en concreto.

Se utilizaron dos casas distintas para grabar la casa de Napoleon: una para interiores, y otra para el exterior.

El estudio fotográfico de Deb es en realidad el sótano de la mencionada casa para interiores.

Poner los nombres en los platos de comida de la intro fue idea de Aaron Ruell. El resto de la secuencia la diseñó y realizó Pablo Ferro.

Napoleon lleva una camiseta del Ricks College en la escena en la que está hablando con Pedro sobre la fecha del baile. Jared y Jerusha Hess asistieron a ese colegio, pero ya cuando se llamaba BYU-Idaho (era u colegio de Idaho y estaba asociado a la Brigham Young University).

El estado de Idaho montó de forma anónima un cartel publicitario en el que sagradecía encarecidamente la labor de Jared y de Jerusha Hess. Gracias a la película la administración y la plantilla laboral de el Preston High School, y sobre todo el personal de cafetería, disrutaron de notoriedad y reconocimiento mundial. Los Tater Tots que salen en la película han promocionado el producto que más exporta Idaho.

En la realidad, la llama es propiedad de la madre de Jared Hess y su nombre es Dolly (el nombre de la llama :D).

La novia del tío Rico que aparece en bicibleta al final de la película es la esposa de Aaron Ruell.

Por su labor como Napoleon, Jon Heder cobró 1.000 dólares. La película se agenció 40 millones de dólares sólo en los Estados Unidos.

Todos los dibujos pertenecen a Jon Heder, salvo el del unicornio.

Para la coreografía del baile de Napoleon, Jared y Jon improvisaron a partir de tres canciones distintas.Hess recicló los mejores movimientos de cada una y los mezcló para una sóla canción.



Entre escena y escena, Jon Heder colaboró en hacer las pulseritas de cuentas de Swarovski (en inglés, "boondoggles keychains").



Tina Majorino (Deb) ayudó con la coegrafía del baile. Jon Heder confiesa que algunos movimietos son “prestados” de Michael Jackson, Backstreet Boys, John Travolta, “Soul Train” (1971) junto a algunos movimientos de producción propia.

Jon Heder “se hizo la permanente” para el film. (Nota de Aka: “XD”).

Cuando Kip está con el ordenador al prinipio de la película, todo lo que murmura es impvisación de Aaron Ruell.

En una escena eliminada, se ve como Napoleon gana 10 dólares con un “rasca y gana”, cosa que pasa en la película de Jared Hess “Peluca” (2003). Ello explicaba que Napoleon pudiera permitirse comprar el traje de 12 dólares para el baile. En la película, al final no sale ni el precio.
[+/-] Seguir Leyendo...

Ruta 66: Las Vírgenes Suicidas

Ruta 66 vuelve al redil con todo el cine indie con el que se pueda topar bajo el sol seco de los desiertos yanquis.



Las vírgenes suicidas

Basada en la novela homónima de Jeffrey Eugénides, es una película dirigida por Sofía Coppola (hija de Francis Ford Coppola) y estrenada a 7 años de diferencia de aquella. Del elenco de actores que la protagonizan destacan los siguientes nombres: Kathleen Turner, Kirsten Dunst, James Woods, Y Josh Hartnett.Me gustaría destacar las breves y humildes aportaciones de Danny DeVitto (como terapeuta en par de escenas) y de Giovanni Ribisi (como narrador).

Trágica historia de unas chicas inocentes en un sentido ambiguo

En un barrio acomodado típicamente americano cierto suceso ha supuesto un punto de inflexión en su aburrida intrahistoria: la muerte por suicidio de cinco hermanas adolescentes. Esta tragedia levanta todo tipo de rumores si fundamento, hipótesis interesadas y leña para quemar en las reuniones informales de amas de casa ociosas. Todo el mundo especula sobre la causa de la fatalidad, pero sólo un grupo de inocentes chicos conoce la verdad. O al menos eso creen ellos.

La principal trama de la película, y se podría decir que la única trama al comprobar su importancia en el trato que le da Coppola, carece de pretensiones. No nos encontramos ante un misterio cuyo suspense e incertidumbre alcance proporciones detectivescas. Es la simple narración en imágenes de un evento triste a la vez que realista.

De la interpretación de los personajes merece destacar la de un moderado James Woods que convence como padre pasivo, y más tarde como padre trastornado. El trabajo de Turner como madre autoritaria provoca un leve rechazo en el espectador. El personaje de Lux Libson (Dunst) no está exagerado en su nivel de sensualidad, es sugerente en el sentido inocente de la palabra. Con lo descrito en este parrafoquiero hacer hincapié en un aspecto: la moderación de Coppola a la hora de presentar al espectador todos lo elementos. Es lo que le confiere realismo al matiz costumbrista del film. Aquí no se hace una crítica directa al estilo de educación autoritario de la madre Libson, no se muestran escenas crudas de tiranía y represión psicológica. Más bien se nos sitúa al nivel de los testigos ajenos, curiosos por conocer los entresijos de una familia tan peculiar.

Las metáforas argumentales

Un punto negativo que se le puede achacar a la pelicula es que ciertas metáforas, mensajes visuales son demasiado predecibles. La mano de Cecilia (la primera chica en “caer”) en el árbol “marcado para su tala”, por ejemplo, o que la hija más provocadora se llame Lux(t). Salvo una. La escena de los convecinos del barrio celebrando una cena comunitaria con el tema de la “asfixia” es un boche metafórico excelente que encaja a la perfección con toda la historia que se cuenta previamente.

La belleza visual

La narración arriba mencionada es tan modesta como bella. Sobre todo interiores uno puede recrearse con los pequeños detalles: habitaciones llenas de objetos que por los que se puede conocer a sus personajes, todos colocados con sumo cuidado, no parece que estén distribuidos al azar por un perito de la industria para dar el pego. La belleza de esta película no reside en el factor “lolita” de las protagonistas, en caso de que lo hubiera sería de un nivel ínfimo a la par que sutil.

Trivia (traducido de Imdb)

- En la escena de las llamadas telefónicas musicales entre los chicos y las chicas, no se utiliza el típico recurso de los falsos números de teléfono “555-” tan recurrentes en el cine y la televisión.

- En esa misma escena se puede ver de fondo una proyección cartográfica de Gall-Peters, la cual es muy poco común. (más info aquí).



- Tras acabar el guión, Sofia Coppola se enteró con pesadumbre que ya había una compañia que estaba en proceso de producción de una adaptación del libro. Pero no estaban muy contentos con el guión, así que ella les mostró el suyo, el cual acabó usándose para la película.

- Sello personal de la directora: Plano del sol a través de las hojas de los árboles.

- "Les Cahiers du cinéma" (Revista francesa) la eligió como una de las 10 mejores películas del 2000, compartiendo el séptimo puesto con “Yi-Yi”.

- Sofia Coppola actuó de hermana pequeña de Kathleen Turner en Peggy Sue Got Married (1986) dirigida por Coppola senyor. En Las Vírgenes Suicidas Turner actúa bajo la dirección de Sofia.

- Le ofrecieron el papel de Sara Lisbon a Kim Basinger, pero tras el éxito de L.A. Confidential (1997) su caché se disparó. También consideraron a Alyssa Milano para ese papel, pero por conflictos de calendario con la serie de Embrujadas tuvieron que desechar la idea.

- Alicia Silverstone rechazó el papel de Mary Lisbon.
[+/-] Seguir Leyendo...