Ruta 66: Sexo, mentiras y cintas de vídeo

Trama de Drama

Steven Soderbergh urde una trama en apariencia típica en esta película. Pero nada más lejos de la realidad (y de a verdad). En el escenario tenemos a un matrimonio sin amor, una infidelidad de manual, y la llegada de un nuevo galán que podría cambiar la vida de la portadora de los cuernos. ¿Típico de una tarde de fínde semana, verdad? ¡Mentira! Pues estos elementos van más allá de lo que parecen, y sus apariencias no son más que muros cimentados con innumerables ladrillos de falsedades.

Sex


El primer ítem que conforma la trinidad titular de la película. Las relaciones más intimas, así como las patologías más clásicas son tratadas con elegancia (ya podría aprender cierta nación que o me sé) y realismo por el bolígrafo de Soderbergh. Freud se frotaría las manos (o puede que otra cosa según malas lenguas) con la psicosexualidad del film. Pues en la película son tratados diversos temas clásicos en el psicoanálisis, en su vertiente más tabú. La neurótica clásica, el fetichista reprimido, la infidelidad desparramada. El espectador que desconozca la literatura teórica relacionada, no debe preocuparse, pues la complejidad con la que son tratados estos temas, también lo son con claridad palpable.

Lies


Es la vil y tradicional mentira la encargada de conferir al film la profundidad que lo aleja del producto de sobremesa televisiva. El comportamiento de los personajes, sus acciones y su evolución, son líneas borrosas, empañadas por las mentiras que el guión cuela al espectador sin descanso.

Videotapes


El fetiche principal, alrededor del cual giran las trastocadas vidas de los protagonistas. James Spader es Graham, un enigmático fantasma del pasado que aparece para ofrecer una salida alternativa a la espiral de frustración que es el matrimonio de Ann (Andie MacDowell). Con una interpretación absolutamente impecable, James Spader juega ofreciendo tés helados (marca personal del personaje) mientras indaga en sus vidas privadas, emitiendo juicios gracias al libre albedrío conferido por su idología de ¿total? sinceridad.

Sexo, mentiras, y un dvd

Motivos de sobra hay para visionar la película: fuerte guión, temática repleta de madurez, el trabajo de Spader, Laura San Giacomo en su mejor momento (físico e interpretativo), la sutil dirección de Steven Soderbergh. Los aspectos negativos que achacaría este servidor, serían la banda sonora (la canción de los créditos es impresionante... pero en una space opera encajaría más) y las ganas de saber más sobre la vida de Graham pre y post encuentro con Ann, pues hay cierta licencia argumental que mosquea bastante (¿cómo sustentas esa vida bohemia Graham?).

Sinceramente, agradecería un remake adaptado a los tiempos actuales, sería interesante ver lo que podría ofrecer Soderberh a nivel de guión con una: Sexo, Mentiras y Blogs.

Sección Extra: Trivia Traducido de Imdb

- En un principio el paperl de Ann fue escrito para Elizabeth McGovern.

- En una escena se puede ver una confesión grabada por una de las ex-amantes del personaje de James Spader. El director le dió el guión y la cámara a la actriz Jennifer Jason Leigh para que grabase la escena en su casa con la ayuda de su novio, pero nunca tenían tiempo para ello, así que, una vez comenzada la grabación del film, un miembro del equipo de rodaje acabó haciendolo.

- David Duchovny y David Hyde Pierce hicieron una audición para los papeles de Graham y John. (Nota de AkaTsuko: Por cierto, Duchovny acabaría haciendo de “pervertido” en la serie Californication muchos años más tarde. La de cosas que podrían haber cambiado si le hubiesen cogido xD)

- El primer día de producción, los productores le mandaron un telegrama a Steven Soderbergh. Le picaron de forma amistosa diciéndole que “habían oido por ahí que él no sería capaz ni de dirigir el tráfico”. Doce años más tarde, Soderbergh ganó el Oscar... “por dirigir Traffic”(2000).

- El guión fue escrito en unas dos semanas.

- Steven Soderbergh le dió a los productores una lista de posibles títulos para la película, que incluía: 46:02, Retención Retinal (“Retinal Retention” ¿?), Dispositivo de Emparejamiento Cargado (“Charged Coupling Device” ¿?), Modo: Visual,
Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo, e Intenciones Encubiertas (Nota de AkaTsuko - “Hidden Agendas” con esta creo que he acertado). Soderberh defendía fervientemente 46:02 (la supuesta duración de la cinta que Ann graba para Graham. En el guión se menciona pero en la versión final de la película no aparece el dato). Pero los productores escogieron de forma inmediata Sexo, Mentiras y Cintas de Video.

- Se le ofreció el papel de Ann a Brooke Shields, pero lo rechazó.

Other Films Off Topic (III)

Otro mes que se termina y otro repaso a mis escarceos cinefilos fuera de OF.

Por un lado ya están disponibles los contenidos de lo que será el próximo programa de La Parada de los Monstruos. Si todo sale como está hemos planeado, vamos a disfrutar de una tarde mítica. Como siempre Lynnot, Viruete y Freakman junto con un servidor, estarán el sabado de 17 a 19 en onda latina hablando de toas las cosas del cine.

Por otro lado, este mes destaco de mis aportanciones a Cinemania Blog:

- Hunter Prey, un proyecto de ciencia ficción y bajo presupuesto del director de Batman´s Dead End. Fotos y trailer.

- Somewhere, nuevo proyecto de Sofia Coppola muy cercano a Lost in Translation.

- Scott Pilgrim VS the World. Videodiario que plasma el comienzo del rodaje. Como ya esta disponible el segundo video y supongo que la cosa ira aumentando, apuntaros la dirección del blog oficial en favoritos.

- Un par de raciones de posters del artista gráfico Eric Tan.

Como siempre, esperamos vuestros comentarios, insultos, fajos de billetes o lo que tengais a bien compartir con nosotros.

ACTUALIZACIÓN (27/04/09): Ya tenéis disponible para descargar el programa del pasado sábado de La Parada de los Monstruos.

Ruta 66: Shadows

La carretera de la Ruta 66 va asfaltándose por Other Films, quién sabe si llegaremos a formar un sólido itinerario para que se quede en el haber de la página, al alcance de cualquier interesado en el Otro Cine. Este conductor no lo sabe, pero no por ello vamos a aparcar.

- - - -
*Esta review no contiene spoilers graves sobre la trama, pero sí sobre cierto aspecto que se debería ignorar para disfrutar al 100% de la obra. Así que a partir del párrafo con asterisco, si no has visto la película deja de leer, y NO LEAS SINÓPSIS O INFO DE NINGUNA CLASE SOBRE EL FILM. También recomiendo la versión original subtitulada, por los mismos motivos.


Shadows (A la sombra de Manhattan)

Nos encontramos ante una historia corta y breve. John Cassavetes nos cuenta las vicisitudes de una familia de buscavidas unidos por la miseria y la vida callejera, con un corte no tanto oscuro y deprimente, sino más cercano a la realidad y a la costumbre de finales de los 50. La ciudad brilla con electricidad clásica, mientras los personajes ya están embarcados en sus propias vidas, y apenas se esfuerzan por conseguir algo más allá de salir a flote.


3 hermanos

Destacaría por encima de las tres relatos, así como entre sus interpretaciones, el trabajo de Ben Carruthers. Su figura fantasmal en el film podría extrapolarse a su carrera artística. Su ficha en imdb parece reducida a la de un simple extra, sin fotos, ni comentarios rememorando su magnífico trabajo en Shadows. Dando tumbos con sus amigotes por la ciudad, ya sea de día o de noche, Ben, personaje y actor, ofrece unas escenas de complicidad y cierta reflexión en algunos casos.


La evolución de Leila Goldoni a derroteros de mujer fatal y caradura me parece muy acertada y bien conseguida por su parte. La inicial Leila sensible y cortada no pega para nada con la actriz, y no convence durante la primera parte de película.


El trabajo de Hugh Hurd cumple sin más, puede que una película hecha más a su medida, con la historia del cantante negro intentando buscar su hueco por tema principal, hubiera sido más apropiado.


*La definición de Amateur, según Cassavetes

En un principio, la edición del film resulta desconcertante. Cambios de plano frenéticos, en los cuales los personajes quedan algo descolocados para la perspectiva del espectador. Y la cortísima duración de algunos planos insinúa que algo anda mal, así como el toma y daca en el guión . Y es que a poco que busquemos en la red, nos encontraremos con que Shadows, en opinión de muchos, supone una obra indepediente de antaño. Presupuesto de fuente anónima, actores en plena formación, John Cassavetes por vez primera se pone al mando de la dirección. Los interiores que aparecen en la película, no son nada menos que escenarios construidos dentro de un local de ensayos. El (confuso) juego de planos permite un efecto realista sobre esos escenarios made in home. Y para más inri, la totalidad del guión (o eso dicen) es pura improvisación.


¿Por qué considero spoiler esta información? Porque creo fervientemente que ignorar detalles como su orígen amateur podría suponer un reto así como una sorpresa para el espectador abierto de mente, que sepa comprender que esta película hay que situarla en su contexto temporal. Puede que esto suene a típico, pero creo que 50 años de edad disculpan con creces a esta obra.

Yo perdí la oportunidad de la buena impresión que podría causar este excepcional producto de su época al leer la sinópsis de la contraportada del DVD. Espero que haya gente con más suerte que yo, y hayan accedido a la película sin ningún tipo de prejucio. Sería una experiencia interesante, lo aseguro.

Sección Extra: Trivia de Imdb Traducido

- John Cassavetes rodó la película en 1957 y 1958, pero debido a la pobre acogida volvió a rodar más o menos la mitad del film en 1959. Se dice que esa primera versión estuvo extraviada durante casi 50 años. A mitad de los años 80, el profesor Ray Carney comenzó su búsqueda tras hablar con Cassavetes sobre ella. Carney investigó por todas partes pero sólo obtenía información que le llevaba a callejones sin salida durante 20 años. Finalmente, en 2002, contactó con una mujer que le contó que su padre, vendedor de objetos usados, tenía una caja de cartón con una película llama “Shadows”. Resultó ser la primera versión de la película y no la segunda. Estaba en prístinas condiciones.

- Es el debut como director de John Cassavetes.

- Jean Shepherd, personaje iconoclasta del mundo radiofónico, ayudó a Cassavetes a recaudar el dinero para película, haciendo que éste interviniera en su programa en calidad de invitado excepcional en febrero de 1957. Shepherd incluso le prestó a su asistente Ellen Paulos para que ayudase en la película. Cassavetes, agradecido por la ayuda, expresó su gratitud en los créditos iniciales. Puede leerse: “Presentado por los Nocturnos de Jean Shepherd” (Los Nocturnos es el “culto” formado por algunos miembros, oyentes del programa de Shepherd, denominados así por el New York Times). Shepherd aparece fumando un cigarro entre la multitud de la secuencia inicial. Paulos también hace una aparición en la película.

- Debut de Tom Reese (anunciado en cartelera bajo su verdadero nombre: Tom Allen).

- John Cassaves estuvo en un programa de radio de Manhattan, promocionando “Johnny Staccato” (1959) (Nota de AkaTsuko - Serie de televisión en la que participó actuando y dirigiendo). El tema de la conversación derivó hacia derroteros que tocaban la realización de un largometraje, y Cassavetes dijo que si él fuera a hacer algo así, los oyentes deberían donar un dólar o dos mandándolo el dinero por correo a la emisora. Unos días después, un estupefacto Cassavetes había recibido miles de dólares, que invirtió en “Shadows”.

- Gena Rowlands, viuda de Cassavetes y propietaria de la herencia intelectual de éste, ha negado categóricamente que la versión alternativa descubierta por Carney sea real, a pesar de que Carney ha subido a su web varios clips de vídeo.

- El crítico Leonard Maltin describe “Shadows” como “el caldo de cultivo para el nacimiento del cine independiente americano”.

- Se rodó en las calles de Nueva York con una cámara de mano de 16 mm. La mayor parte del diálogo fué improvisado, y todo el equipo de rodaje estaba formado por alumnos de Cassavetes o voluntarios.

- La película fué seleccionada para su preservación en el Regitstro Nacional de Films de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso (Nota de AkaTsuko - Importantísima biblioteca de Washington D.C.) en 1993.

- Durante la fase inicial de la grabación, las huelgas eran algo recurrente debido a lo poca costumbre de los trabajadores a la “improvisada” naturaleza del proyecto.

- Durante uno de sus sesiones regulares en los talleres de interpretación, John Cassavetes se percató del potencial de una premisa fílmica en uno de los ejercicios improviados, en particular uno humorístico. Con el paso de los años desarrolló el argumento en sus talleres, y acabó utilizando a sus jóvenes alumnos en esta película.

- Presupuesto total: 40.000 dólares.

- El transeunte que salva a Leila del baboso en la calle es Cassavetes. Gena Rowlands (recordemos, su mujer) aparece brevemente en una escena del club nocturno.

- La película causo revuelo por que mostraba de manera explícita a una pareja no-matrimonial en una posición post-coito y además se sugería que una mujer había ido en busca de sexo intencionadamente. (Recordemos que eran finales de los 50, la revolución sexual y moral de los hippies estadounidenses llegaría un poco más tarde).

- Tras ser premiada por la crítica en el Fesival Fílmico de Venecia, fué seleccionada para su distribución por British Lion, y entonces se exhibiría en Estados Unidos.

- Cuando la primera versión del film (la primigenia, la de Carney) fue proyectada en el Festival de Cine de Rotterdam en 2004, fué la primera vez en 45 años.

- La polémica escena de amor se rodó en el apartamente del hermano de Katherine Hepburn.

- - -

Melancolia en la Filmoteca.

La Filmoteca de Madrid ha preparado un ciclo centrado en la Melancolia(pdf) como leit motiv. Entre los títulos que se han seleccionado, me permito destacar dos que tienen cabida en la temática de esta web. No dejéis de pasaros por la web de la Filmoteca de vez en cuando para estar al día de la programación, que es sin duda de lo más variado.

Jueves 16 Abril 2009 (se repite el día 28 de Abril)

17.30 La melancolía en el cine
Sala 1 Smoke (Smoke, Paul Auster y Wayne Wang, 1995).
Int.: Harvey Keitel, William Hurt, Stockard Channing. EE UU. VOSE. 112'

Brooklyn, verano de 1987. Un grupo de personas frecuenta el estanco del barrio. Auggie Wren, el estanquero, es el gran confidente de todos ellos.

Viernes 24 Abril 2009

21.30 La melancolía en el cine
Sala 1 Gerry (Gerry, Gus van Sant, 2002).
Int.: Matt Damon, Cassey Affleck. EE UU. VOSE. 103'

Rodada un año antes que Elephant, Gerry se abre con dos jóvenes en un coche y una carretera que la cámara sigue, flotante, al ritmo trágico de la música de Arvo Part. Con esta sola imagen el trayecto queda definido: Gerry es un camino cuyo retorno, si existe, no puede desvincularse de la tragedia.

The Meme´s Aftermath.

Pues no me puedo quejar, por que ha habido respuestas al meme de posters de cine que planteábamos hace unos días, así que hago aquí una mención al resultado del evento para que quede constancia.

La nueva incorporación a Other Films, el incansable AkaTsuko, repasó con ganas las estanterías de videos VHS de su casa y nos dejo un magnifico recorrido por su infancia. Priceless.

Lynnot tambien tiró de nostalgia, aunque en este caso con más años de ventaja. Las sesiones de cine de barrio (*) aderezadas con azúcar al por mayor, nos dejan una colección de posters y recuerdos que el tiempo no borrará.

Y el meme sigue expandiendose. Por parte de Lynnot, su propuesta ha generado interés en los blogs de sus amigos Samu y La Pequeña Delirio. AkaTsuko tambien a embaucado al incauto de su amigo Ronin. Y por su parte, Homo Insanus, con el que sin su ayuda este meme no habría tenido lugar, obtuvo reacciones de Mr. Lombreeze, Javi y Kelembor. Y si seguís investigando el meme se extiende más allá de las fronteras de lo racional... o bueno, casi.

Sin duda una buena ración de arte gráfico acompañado de grandes descubrimientos que se quedaran por siempre en favoritos... hasta el próximo formateo por lo menos.

(*) Hacer aqui un chiste con ESE Parada y el nombre del programa de radio de Lynnot sería cuanto menos chusco e impropio de esta web :D

Ruta 66: Smoke

Ruta 66 sigue en marcha.

- - - -

¿Cine de tiendas o cine de historias cruzadas?

Aunque el tabaco es uno de los protagonistas de esta película, no me ha quedado mal sabor de boca tras su visionado. En su lugar, he disfrutado plenamente de esta historia poco fácil de definir, pues aunque supuestamente el estanco en el que se desarrolla la trama y se entrelazan las subtramas es un escenario donde las escenas han sido rodadas magistralemente, no se puede decir que aparezca el suficiente tiempo de metraje para afirmar que esta película pertenece a ese género que mencionaba en un podcast uno de los usuales comentaristas de este blog, amigo de solondz_fan. Las escenas de gran carga dramática no suceden precisamente en ese lugar, sino en otros emplazamientos.Y tampoco estamos ante un nivel profundo de historias solapadas de forma muy compleja, cosa que encontramos en Crash o Pulp Fiction. Al ver cómo entablan relaciones los personajes no nos llevamos las manos a la cabeza de la impresión ni nos quedamos boquiabiertos con ninguna revolución narrativa.

Con Smoke, disfrutamos de historias bien perfiladas por un guión creíble y convencional, dentro de lo que ofrece el entorno americano de clase barriobajera, un entorno en este caso libre de violaciones, mafias, cárteles y atentados de gran injusticia contra los derechos humanos. Un respiro, por suerte, aunque sea con nicotina.

El arquetipo de escritor maduro decadente aparece retratado por William Hurt de forma bastante modesta y correcta. Los escarceos con sustancias no le han hecho tanta mella como es en el caso de Mickey Rourke, al menos en esta película no choca en este sentido. La relación que establece con Rashid surge un poco a trompicones, pero una vez madura se muestra muy natural. Siento predilección por escenarios humildes, pero sin llegar a ser ruinas, y el menguado piso testigo de las vivencias de este personaje se gana varos puntos.

Me ha sido complicado hacerme una idea de cuales son las principales motivaciones que llevan a este personaje a embarcarse en su búsqueda personal. En el film, Rashid se caracteriza por simbólicos silencios, mutis cargados de significado que es difícil precisar debido a elementos incoherentes del guión. En conjunto, forma un arquetipo de joven buscandose a sí mismo poco convencional en el género.

Fotograma de un Brooklyn pasivo y de clase media

La subtrama más debil, la peor perfilada del equipo. El parche en el ojo, la desfachatez al pedir auxilio, la plana relación con Ashley Judd (intervención breve y poco significativa, estoy seguro que en otras películas Judd puede y ha dado más de sí), nada parece encajar del todo en la maquinaria argumental. El punto positivo lo pone Harvey Keitel con sus líneas de diálogo, y puede que la conclusión final con esa imagen de caradura de Ruby sea lo mejor.

Ah, Forest Whitaker. Se ganó mi cariño con Ghost Dog, su aportación al cine de acción experimental. En este papel, pese a que sólo saca dos años a Harold Perrineau, consigue con su imponente físico dar una imagen paternal ruda. Su participación, aunque peque de escasa, consigue situarse a la altura de Harvey Keitel, ayudado por un diálogo suficiente en cantidad.

Who wants to live forever? Muchos desearían que Clint Eastwood así lo hiciese, pero seamos realistas, algún día quedará vacío el hueco de actor respetable, dramático y duro. Y tengo mis dudas sobre quién ocuparía bien el puesto: si Harvey Keitel, o Tommy Lee Jones. Con el carismático papel de dependiente de estanco (magnífico escenario), la interpretación de Keitel no sufre bajones ni pierde ápices de personalidad y calidad. Cualquier espectador (al menos cualquiera que se parezca a mí) goza de cada minuto en el cual Harvey se encuentra detrás del mostrador de su humilde establecimiento. Y no digamos ya el colofón con esos créditos en forma de cuento. En él, el arrugado rostro de Harvey es un poema sin voz que, si cortásemos y editásemos, resultaría en un corto de excelente calidad por sí sólo.

Foto de la portada del Dvd al que tengo acceso. Me hubiera gustado encontrar una de más reslución.

El film en unos pocos momentos puede que se haga largo, y adolece de ciertos mecanismos argumentales algo tramposillos que al más atento harán fruncir el ceño. Pero bueno, Harvey tambien frunce bastante su veterana cara, y por verle a él, y a Forest Whitaker, uno puede quitar el cartel de “Zona de No Fumadores” en el salón donde disfruta de las películas por una vez.

Sección Extra: Trivia de Imdb Traducido

- El nombre de Paul Benjamin (William Hurt) es una referencia al escritr Paul Auster, cuyo nombre de pila es Benjamin: Paul Benjamin Auster.

- Forrest Whitaker, aunque interpreta al padre del personaje de Harold Perrineau, es sólo dos años mayor que éste.

- El personaje de William Hurt cuenta una historia sobre un hijo que encuentra el cuerpo inerte y congelado de su padre en las montañas. Esta misma historia la utilizá Paul Auster en su novela, “The New York Trilogy” (“La trilogía de Nueva York”).

- - - - -

Próximamente, tras el descanso dominical: Slacker, Elephant, Happiness entre otras.

Ruta 66: Welcome To The Dollhouse

Muy buenas, lectores y lectoras de Other Films. Mi nombre en clave de blog es AkaTsuko y he sido recientemente invitado a colaborar en este apartado lugar por el Creador de este lugar. Conocido como solondz_fan aquí y en Cinemaníablog, conocido como MAt! en otros variopintos lares, el hombre "que sólo habla de cine" me propone publicar aquí periódicamente mis reviews cinéfilas más personales, al menos aquellas relacionadas con la temática minoritaria que aquí se trata. Yo personalmente voy a disfrutar como nadie de esta honorable oportunidad. Veremos cuánto dura la broma.

Mis primeras aportaciones vienen en formato de especial Ruta 66: Cine Independiente Norteamericano, aprovechando el evento homónimo que se celebra con más pena que gloria en la biblioteca de mi lugar de residencia. El primer título escogido, Bienvenido a la Casa de Muñecas, film por obra y gracia de Todd Solondz, autor predilecto del Creador MAt.

- - - - -

Wellcome to the Dollhouse

Acabo de ver una de las películas más patéticas de mi vida. Pero no era patética en su realización, su interpretación. El patetismo, a mi parecer, iba incluido en la intención de la película. Todos los elementos, animados o inanimados del film rezumaban tristeza vergonzosa por los cuatro costados. Desde la protagonista, hasta la expresión facial del más secundario de los extras. Y claro, esto genera una impresión tan fuerte y palpable que te acaba por agarrar por dentro. Si Todd Solondz pretendía hacerme “sentir” cosas con esta película, lo ha conseguido.

Dawn Wiener, patetismo hasta en el DNI

Y nada de coñas, hasta el apellido de la ¿pobre? chica es un elemento a tener en cuenta en el desarrollo de su compleja historia. La experiencias de Dawn sólo tienen una dirección: cuesta abajo. Pero esta mala pata que la persigue es tal, que rebasa los límites de la misericordia. El personaje ¿inocente? de Dawn me ha hecho experimentar una mezcolanza de vergüenza, asco, pena, magnanimidad y alegría vergonzosa. No tengo una opinión clara sobre cómo acaba su historia, ya que tengo serias dudas sobre si se le puede achacar final alguno.

All is sad

Quiero insistir: todo es patético. Hasta los personajes más en apariencia “normales” tienen un lado despreciable, ya sea por egoismo (el hermano de Dawn), ya sea por inmoralidad (Steve), ya sea por ceguera (los funcionarios del colegio). Es increíble como no se salva nadie si nos ponemos a repartir defectos que darían paravarias películas por sí solos. Todos tienen las manos a rebosar de papeletas.

¿De qué no me quiero reir?

Ha habido momentos durante el visionado en los que se me ha escapado una risilla floja. Y es curioso y habría que hacer incapié en esta afirmación. “Se me ha escapado”. ¿Es que acaso pretendía no reirme de lo que veía? ¿Debería sentir vergüenza por algún motivo? ¿Culpabilidad, resultado del entretenimiento con la humillación y la injusticia? Al ver “Bienvenido a la Casa de Muñecas”, uno no puede sino rendirse a la evidencia de que hay más retrato global cómico y realista de lo que parece. Y uno no puede evitar reirse. Pero se es libre de intentarlo, huir del shadenfreude...

(Click para agrandar)

Prêt-à-pathét

Detalle irónico: Dignity + La ropa

Aspectos (pa)técnicos

Me ha llamado especialmente la atención el vestuario escogido para la protagonista. Menudo desfile de horrores para la dignidad estética. Sobre estas líneas, he decidido demostrar con hechos en forma de capturas (a las que se suma el bochornoso conjunto de la portada, en el momento álgido de crueldad argumental: la fiesta en el jardín) lo que me atrevo aquí a afirmar sobre su vestimenta, cual esteta empedernido. ¿También era necesario que la humillaran los que están detrás de las cámaras? Sí, por supuesto, todo está maquiavélicamente planeado para que sea así. Dawn no sería tan Down sin ese aspecto mísero que le han proporcionado. Hasta su pequeño hilo musical que le acompaña de vez en cuando está cuidado. Sin esos elementos, puede que estuviesemos delante de cualquier película sobre “las injusticias del High School, que todo el mundo condena, que nadie en el mundo soluciona”. La banda sonora acompaña esta oda al suburbano con gran maestría, si bien quizás las elecciones de música más clásica sean un poco chocantes y obscenas en el sentido de ab scene, fuera de escenario. Seguro que me dejo más, que mi ojo inexperto no ha sabido captar, elementos de fotografía, realización, cámara, edición, etc, elementos que portaban algo de marca indie, pero ya se aprenderá, mejor para Solondz, cuya obra se merecerá en el futuro más visionados.

Comprobaré si el director puede superarse “por abajo” en sus siguientes obras, que no me pienso perder. Ni por todas las proyecciones optimistas del mundo.

- - - - -

Más material de interés sobre Dollhouse y Solondz bajo esta etiqueta, con especial recomendación a aquí.

Muy pronto, Ruta 66: Smoke.

Meme Poster Indie

La que le he montado al amigo Homo Insanus. Se me ocurrió sugerirle que en vez de revolcarnos en la ponzoña y reírnos de los posters de cine más feos (el hizo una selección descacharrante) podríamos elegir los que más nos molen. Pues el tío se ha liado la manta a la cabeza y ya ha elegido su top five y le ha endilgado la tarea a cuatro compinches y a un servidor.

Y yo no voy a ser menos. Desde aquí le lanzo el reto a estos futuros ex amigos :D

-Goonie de Radio Gunners.
-Patch de la celeberrima A Patch´s Life.
-Lynnot desde La Parada de los Monstruos.
-Montse en El Rincón de Montse Akane.
-AkaTsuko de su blog homónimo.

Pero por favor, todo el que pase por aquí y se anime, que no se corte y nos lo cuente en comentarios para que podamos ir a ver su selección ¿ok? Quiero ver más top cinco!!!

En mi caso, la selección que he hecho esta basada principalmente en el sesgo de esta web, es decir, que se trata de posters de cine americano independiente. Más o menos, por que financiación de alguna no la tengo muy clara, pero en esencia todas son lo que sus autores quisieron que fueran y en principio todas provienen de los USA. And the all star five are:

5.- Haz Lo que Debas (Do the Right Thing [1989] - Spike Lee)

Me gusta empezar con un cartel compuesto por fotos, por que me encantan los posters dibujados, pero este es un ejemplo muy bueno de un gran cartel de cine indie, con un buen diseño pero a la vez barato y muy efectivo. Es imposible no fijarse en el.

Sobre la peli, que no se habrá dicho ya. Rompió moldes, llego como un elefante en una cacharreria llamando la atención de todo el mundo. Ahí llegaba Lee para quedarse y seguir armando bronca, y de regalo nos presentaba a Samuel L. Jackson ¿Algo más?

4.- Fargo (Fargo [1996] - Joel Coen)

Este no es el cartel con el que nos la vendieron, pero no se me ocurre mejor manera de presentar la pelicula que con un trabajo de petipuá a medio acabar, retratando el crimen del film y anticipando el blanco como fondo de la trama. No hay nada mas que añadir.

Fargo supuso para mi el tener en cuenta a los Coen más allá de los movimientos de cámara imposibles y los personajes de cartoon. A parte de que el casting es brutal y Frances McDormand no volverá a tener un papel como este en su vida, para mi es la más redonda de los hermanos... ojo, no he dicho ni la más divertida ;)

3.- Miedo y Asco en las Vegas (Fear and Loathing Las Vegas [1998] - Terry Gilliam)

Tanto las caratulas del dvd de criterion colecction como los dibujos que adornaban algunos libros de Thompson me parecen brutales, pero esto sin duda es todo un logro. Hacer un poster con la cabeza de una estrella de hollywood como Johnny Depp y que no le conozca ni su madre. Ole los huevos del diseñador. No me canso de mirar esa expresión empastillada, ese cuello retorcido, esos reflejos infinitos de las gafas... We´re in bat country!

El Gilliam más onírico suele abrumar, confundir y a veces sobrepasar, pero esta es tan divertida que supera esas barreras y te sumerge de lleno en el viaje químico junto con el Dr. Gonzo y su abogado. Tiene momentos hilarantes y momentos aterradores y no precisamente en escenas distintas...

2.- El Ejército de las Tinieblas (Army of Darkness [1992] - Sam Raimi)

Al más puro estilo Frank Frazetta, tenemos a Ash, más chulo que un ocho con la jamelga a sus pies y los cabrones de los ashes enanos dando por culo. Este poster es genial, no se quien lo diseño pero es la repera y no hay más vuelta de hoja.

Si los dos primeros Evil Dead son buenos, aquí los hermanos Raimi echaron el resto. Luego un pifostio con Universal y la puñetera MPAA se encargaron de engendrar no se cuantas versiones distintas de la película. Aquí nos llego la buena al cine, pero de eso hace mucho ya ¿Sabe alguien si la edición en blu ray merece la pena?

1.- Kill Bill vol.1 (Kill Bill vol. 1 [2003] - Quentin Tarantino)

No podía faltarme Tarantino, un tio que debe tener la colección de posters de serie b más grande del globo terráqueo. He elegido este por que es buenísimo, pero toda la imagineria KillBilliana me parece brillante. Identificar a los personajes de la película de una manera icónica es algo que no se hace siempre (y no siempre queda bien) pero en algunos casos funciona como una bomba.

No voy ahora a hablaros de las bondades de Kill Bill, por que entre otras cosas no son horas. Solo diré que los trajes de Elle Driver no son lo que parecen (guiñó-guiño) y que quiero ver The Whole Bloody Affair de una puñetera vez ya... Quentin, que nos tienes fritos!